sábado, 29 de mayo de 2010

BIBLIOGRAFIA

- Ilustración creativa. Lommis, Andrew. Librería Hachette S.A. Argentina
- Principios de Ilustración. Zeegen, Lawrence, Crush Ed. G. Gili, Barcelona 2005
- Técnicas de presentación para el artista grafico Ed. Gustavo Gili Jenny Mulherin
- Acuarela Ed. Paramon

- Enciclopedia de técnicas de ilustración Slade, Catharine. Acanto. Barcelona. 1998.

- Ilustración en Scrath, Técnicas y materiales Becerra, Gonzalo. Gómez Morín, Mauricio. UAM. México. 1991

- Materiales gráficos y Técnicas Laing, John. Rhijannon Saunders, Davies Tursen Hernan Blume. 1996

Tema 1. Ilustración

1.1 ¿Qué es ilustrar? Tres puntos de vista
Es el proceso mental para realizar la interpretación grafica de la idea que debe ser cuidadosamente visualizada, transmitida con posibilidades de dar visos de realidad a una idea totalmente abstracta, creada, aplicando el conocimiento de la forma, la luz, el color y la perspectiva para darle vida. El campo de la ilustración puede dividirse en tres amplias zonas, la primera clase es la que narra la historia completa sin la necesidad del titulo, texto e inscripción alguna que sirva de guía, existen ejemplos de este tipo de ilustración como son las portadas de revistas y sobre las cubiertas de libros.
La segunda es la que ilustra un titulo, visualiza un slogan o cualquier mensaje escrito destinado a acompañar el cuadro, por lo tanto su función consiste en dar mayor fuerza al mensaje. Por lo cual la narración la narración y la ilustración trabajan conjuntamente.
La tercera de clase de ilustración es aquella narración contada por el cuadro realmente incompleta, su intención es despertar la curiosidad, intriga al lector para que encuentre la respuesta en el texto que la acompaña, muchos de los anuncios obedecen a este plan para asegurar la lectura del texto ya que si la historia estuviera expresada en ilustración seria posible que se omitiera leer el texto.

Tema 2. Principios de ilustración

lustración es una palabra ambigua, a pesar de no haber sido aceptada por el negocio del arte y de la industria del diseño, la ilustración ha continuado su lucha considerada como caprichosa por los artistas y por los diseñadores encontrándose en una tierra, situada entre ambas disciplinas, en el ámbito educativo la ilustración no se ha llegado a impartir como disciplina en simples talleres en donde el estudiante ha aprendido a interpretar algunas reglas básicas para acceder a los equipos que faciliten el trabajo, sin embargo la vida del ilustrador no es para débiles ya que requiere de mucha determinación para enfrentar las exigencias y los rigores de una carrera profesional e individual de la cual, esta disciplina ha emprendido un impresionante retorno a la forma.
Según el Museum National of Ilustration de Rhode Island, los ilustradores combinan la expresión personal con la representación pictórica al momento de transmitir las ideas pero que no capta esencia de lo que el tema es o ha sido hasta ahora. Al momento de describir la época dorada en revistas como el Saturday Evening Post que recorría los estudios buscando ilustradores, como Steven Héller, escritor especializado en diseño y director de arte por el cual enunciaba: que la ilustración es el arte del pueblo y en donde el Museum National of Ilustration hace eco de este sentimiento llegando lejos, declarando que la ilustración funciona como reserva de nuestra historia social y cultural, por lo tanto es una forma de expresión artística y duradera.
Son imágenes contenidas en una ilustración que capta la imaginación del receptor, funcionando como enlaces inseparables entre su historia personal y el instante presente, desde el primer contacto de niños pequeños con los libros ilustrados; las ilustraciones han sido los protagonistas en momentos de la vida, representando un papel importante cuando se trata de establecer una transición entre las diferentes etapas, sería justo decir que la ilustración ha funcionado para registrar logros y proezas del hombre , interpretándolos de una forma que no habría sido posible, antes de que se inventara la fotografía.
Saber en qué momento nace la ilustración contemporánea no es tarea fácil ya que en realidad es considerada como contemporánea, moderna y actual mostrando una sintonía con las tendencias que incluso está de moda, pero si dibujamos una línea en la arena que señale la mitad del siglo pasado, los carteles clásicos ilustrados por Tom Eckersley y sus asombrosos posters podrían ser ignorados ya que se crearon en los 40s, a excepción de los carteles simbólicos que se elaboraron para el metro de Londres de los cuales deberían de incluirse puesto que se realizaron a principios de los años 50s, sin embargo para muchos que crecieron en los años 60s y 70s, los primeros ilustradores contemporáneos provenían de una nueva generación de creadores de la imagen.

Tema 3. Técnicas y materiales tradicionales

Las técnicas que se pueden encontrar en la ilustración a lo largo del siglo xx, como si fuera un recorrido por los materiales utilizados en el arte durante el periodo sobre todo si observamos los trabajos a partir de los años 60s, periodo en el que encontramos continuas referencias estéticas, análogas y técnicas similares en unas y otras manifestaciones artísticas. Dentro de las técnicas y de procedimientos secos, encontramos los más sencillos que son los lápices y las pinturas de colores de madera, pero existe una gran variedad de medios para conseguir grandes resultados, el grafito, el pastel seco y graso, la pluma y la tinta son algunos de las técnicas secas que permiten desempeñar un trabajo como ilustradores. La mayor característica de las técnicas secas es el uso de un solo material, o pigmento, materiales de aplicación directa esto significa que no necesitan aglutinante o medio para teñir la superficie del papel.
Dentro de la ilustración encontramos diversa técnicas, con las que podemos trabajar y variar de acuerdo a nuestras demandas de esta forma podemos encontrar a las técnicas denominadas técnicas puras que son aquellas que encontramos en un solo material, pigmento o mixtas de las cuales encontramos mezclados o yuxtapuestos en diversos materiales. A las primeras denominadas así por que son utilizadas de un solo componente las podríamos agrupar en dos bloques: un primer bloque es en donde encontramos los materiales de aplicación directa, denominados como procedimientos secos como: el lápiz, el grafito, los colores de madera, el carboncillo, la sanguina, el pastel, las barras de pastel-oleo, las ceras, el lápiz conté, el bolígrafo y los rotuladores, en el segundo bloque se encuentran las técnicas que utilizan un disolvente liquido orgánico o no, aplicados a través de un instrumento, ya sean pinceles, brochas, algodón, esponja, plumilla o spray, las más conocidas son la acuarela, la tinta,, el oleo, el acrílico y el gouache.

3.1 GRAFITO Y PASTEL: propuesta y práctica

La historia del lápiz se remonta a 1564, cuando se descubrió en Borrowdale Inglaterra, aprovisionando a toda Europa hasta el siglo XIX, el grado de dureza del grafito se indica en dos formas: el grado B para los lápices o barras blandas y el H para los lápices o barras más duras, este sistema sirve de guía a la hora de elegir el instrumento apropiado para un trabajo en particular, ya que por lo general los grafitos más blandos como el pastel deben de utilizarse sobre un papel de grano suficiente que recoja y retenga las partículas de grafito que se desprendan, mientras que las superficies lisas como la cartulina son las más adecuadas para grafitos más duros, existen dos tipos de grafito: el lápiz y la barra que se encuentran en diferentes grosores y calidades, aunque se pueden utilizar en cualquier papel es conveniente aplicar un fijador a las obras.
Con el grafito se pueden obtener resultados inmediatos, como trazar, bocetar obteniendo resultados a base de la línea o mancha haciendo una distribución posible, obteniendo calidades de blancos y una amplia gama de grises hasta obtener el negro, los pasteles son ideales para realizar obras expresivas llenas de vida, obteniendo colores muy saturados hasta tonos delicados lo que permite crear imágenes impactantes. Cualquier tipo de papel sirve para pintar con pasteles, pero existe un tipo de papel especial que se vende en diferentes tonos, con una cara rugosa y otra fina.
Existen tres tipos de tipos de pasteles secos, en primer lugar los pasteles blandos que poseen una alta proporción de pigmento con el aglutinante, por lo tanto tienen una rica textura y colores brillantes presentando el inconveniente de romperse con facilidad por su textura quebradiza, en segundo lugar los pasteles duros, siendo los más resistentes por poseer más aglutinante y por último los lápices de pastel, recubiertos de madera ya que son los más limpios, fáciles de usar y de transportar pero los resultados que se consiguen son diferentes por lo cual es conveniente tener cuidado con la zona que se está trabajando ya que los pasteles ensucian demasiado.

3.2 LAPICES

Los lápices de grafito se gradúan del 8H (el más duro) al 8B (el más blando) y el HB el grado medio, pero es aconsejable disponer de una variedad de lápices entre el HB y el 6B si se desean eliminar los trazos de la obra final, se deben
de usar las graduaciones más blandas para no presionar demasiado el lápiz sobre el papel, desafortunadamente las graduaciones no coinciden entre los diferentes fabricantes, la única forma de seleccionarlos es probándolos como el 4B de una gama y el 2B de otra. Para las líneas negras se utilizan lápices de carboncillo útiles para trazar marcas que se mantienen en la obra terminada ya que no producen el brillo gris d aunque son difíciles de borrar, hasta hace poco tiempo, el lápiz de grafito era el medio más común para la elaboración rápida de imágenes, sin embargo los rotuladores de fibra o de fieltro no han conseguido desbancar al lápiz ya que sus características son similares a las ventajas del color.

3.3 PLUMA Y TINTA

Uno de los estilos más tradicionales de ilustración es la pluma y tinta que nunca pasan de moda ya que los ilustradores consiguen hacerla apropiada para cada generación; la calidad del dibujo es crucial, un medio en el que un mal trabajo se hace realmente evidente. Para el dibujo basta con tener plumillas y manguillos que tenga un orificio para plumas de dibujo, grandes y finas; una selección de plumas, tinta china papel de dibujo para lo cual se va probando una pluma que se adapte a la propia mano con el fin que se va a emplear, quien quiera dibujar con firmeza y rapidez utilizara plumas que discurren sin esfuerzo por el papel cuyas líneas pueden ensancharse fácilmente con mayor presión pero si se prefieren las formas de representación sutiles se elegirán plumas de dibujo finas y duras que deben ser conducidas sobre el papel ya que la punta se podría clavar con facilidad pero en realidad una sola plumilla da diferentes tipos de grosores.